袁雁悅

(上海博物館，上海 200003)

如今，博物館的教育職能已得到較為普遍的認同，而博物館教育的范疇、內涵及形式在不同語境與視角下則各有差異。本文聚焦以歷史文化類博物館為場景的青少年課外教學，介紹筆者在上海博物館的教學案例，并探討如何通過教學內容與形式的設計來克服博物館中展覽模式帶來的壁壘。在這一結合教學實踐的探討中，尤其希望突出美育中的“社會美”這一維度。

一、博物館、美育與倫理

早在20世紀30年代，我國的教育家、南京博物院(原國立中央博物館)創(chuàng)建人蔡元培已提出“美育在學校，可通過音樂、圖畫、游戲來實現，在社會則通過博物館、美術館、劇院、公園來實現”[1]。近年來，學者也從多方面論述了博物館場景的美育價值，比如杜瑩認為“博物館是兒童進行美學教育的重要場所，是真善美的殿堂，博物館具有真實性……博物館的藏品凝聚了美……博物館的每一件藏品都有其獨特的文化內涵，有其特有的美學價值”[2]。李競業(yè)則基于蔡元培的美學思想，強調了美育對人的全面發(fā)展的重要作用，并從四方面闡述了博物館美育的具體表現：作為美育物質基礎的博物館豐富的藏品，作為培養(yǎng)美觀的最佳形式的博物館藏品的直觀性，符合美育教育特點的強烈融入感的博物館陳列語言，與美育普遍性相得益彰的博物館的公眾性。[3]

筆者以為，在認識到博物館與美育的聯系及博物館自身的特點之外，還應當更具體、更批判性地分析與博物館相關的美育教學方法。其中值得注意的是博物館中的藏品(尤其是實物藏品)不應當被單獨抽離出來作為教學的唯一對象。在博物館中，展品并不是被“去場景化”了，而是重新進入了一個新的語境[4]。博物館教育的總體內容便是在博物館這一新環(huán)境中人們對這些物品的認知、感受及體驗。談及美育，蔡元培將其定義為“應用美學之原理于教育，以陶冶感情為目的者也”[5]。而何為美學之原理值得審慎辨析。概括來說，西方大致經歷了從現代審美到后現代審美的過渡。在以康德為代表的古典美學體系中，“美”是基于主客體二分法及“表現”與“再現”形式的美學概念建構。而在后現代美學中，美學走向了多元化與生活化。在這一轉變中，社會美(或者“生態(tài)美”)這一層面逐漸突顯，在美學范疇內融入了對“人在生活和社會中的立場、判斷”的關注，并強調“人的社會性和關系性，尤其是冷靜保持了與善和和諧關系”。[6]

再回到博物館中，這一美學理念的轉變同樣折射在對博物館展覽文化的批判性認識上。比如Hooper-Greenhill簡要分析了倫敦的英國國家肖像博物館通過肖像畫的選擇及展陳方式對強化社會權力等級的作用，并由此鞏固英國文化中的男權特征。博物館通過賦予掌權家族中個人肖像在公眾場合供眾人觀看的特權，從而在某種程度上增強了權力的合法性。[7]假設博物館基于這一點開展美育教學，則可從多個角度入手：比如可以從肖像畫這一繪畫題材本身展開來解讀不同藝術手法對“人”的表現，肖像畫中所反映的不同時代的服裝及人體美學，或是在博物館環(huán)境中展陳肖像的空間組合與布局等。而更為完整的美育教學中則不應忽視Hooper-Greenhill所指出的在博物館環(huán)境中展示肖像畫這一行為本身所涵蓋的文化性及政治性。這也正是博物館語境中美育教學的最大難點：即博物館展覽本身包含了一種審美選擇與倫理選擇，并影響著我們認識這些展品的角度與我們的整體審美感受。這里，簡要舉例說明西方博物館中由“人類學物品/藝術品”這一二分法造成的展示困境。策展人Vogel通過展覽對這一命題進行了“行為藝術式”的試探。在紐約的非洲藝術中心，Vogel策劃了題為“藝術/物品”(ART/artifact)的展覽[8]，在其中的一個展廳中，Vogel將一件來自非洲贊德(Zande)部落的“漁網”放置在高出地面的白色展臺上，同時也在展廳墻上及附近同時展出了來自非洲的另兩件展品。(圖1)這一展覽實踐意在指明“藝術”與“物品”之間難以區(qū)分的界限，同時也是一次通過展陳方式來干涉物品屬性的嘗試。作為一件非常普通的日常用品的“漁網”如果以人類學的視角來呈現，則可補充許多關于此物品的社會文化語境，而“漁網”本身會成為體現非洲贊德人日常生活方式的一件“物證”。在Vogel這一“故意”借用當代藝術展陳模式的展覽中，“漁網”不再是一件人類學意義上的物品，它被精心折疊包裹起來放置在“白立方”中的聚光燈下，瞬間變身為一件“藝術品”。Vogel的嘗試不僅僅是指向博物館專業(yè)人士的，因為這一試探最終觸及的是博物館展覽文化長期形成的范式及其培養(yǎng)的觀眾心理。也就是說，這種展陳模式本身營造出了一種具有高識別度的環(huán)境，讓觀者不自覺地將這些展品判定為“藝術品”，并單純從藝術審美的角度來欣賞。

圖1 ART/artifact圖書封面/展覽中的贊德(Zande)漁網

這一近30年前的案例對于如今的博物館展覽文化依然有參考價值，從某種意義上來說，博物館的展覽理念包含了一種倫理選擇，這體現在對“物”本身的尊重及對觀眾與展品之間關系所設定的架構上。從教育層面來說，博物館場景的美育教學亦有責任將展品放置在整個展覽文化語境中去考量，融入這其中一系列的社會關系、價值判斷與文化假設，培養(yǎng)更全面、更具批判性的審美能力，引發(fā)層次更為豐富的情感體驗。

二、歷史文化類博物館中的青少年美育

上文所提及的“藝術/物品”展覽也暗示了長期以來不同類型博物館在展覽理念方面形成的范式。本文中的“歷史文化類”博物館是指以當地或更大范圍內的歷史為主要線索展開進行展覽展示的綜合性博物館，而不是只關注某一類特別物品或是主題的專題性博物館。在歐美博物館中，國家與地區(qū)性的博物館館藏中不乏來自世界各地的藏品，這與博物館建立之初的人類學考察與研究，以及殖民、戰(zhàn)爭時期的收藏都有緊密聯系(如大英博物館、盧浮宮博物館、美國大都會博物館)。相比之下，我國的綜合類博物館多以展示中國古代器物與當地歷史文化為主。但這一類博物館在總體展覽方式上亦不同于專門展示經典藝術形式(繪畫、雕塑)的藝術類博物館。當然，不同類型博物館之間的界限并非總是很清晰，比如上海博物館經常被形容為一座“中國古代藝術博物館”，這也體現在博物館展廳基于器物的分類方法上。目前，全館共有10個常設展覽的展廳：中國古代青銅館、中國古代雕塑館、中國古代陶瓷館、中國歷代書法館、中國歷代繪畫館、中國歷代璽印館、中國歷代錢幣館、中國歷代玉器館、中國明清家具館、中國少數民族工藝館。大部分展廳中，展品皆陳列在玻璃柜中，并配有簡單的標簽(主要為品名、年代與材質)。除了部分展館內有相關的制作工藝介紹(青銅館內的青銅鑄造工藝展示、陶瓷館內的瓷窯復制)及視頻，大部分的常設展覽本身未能反映出器物背后豐富的社會文化性，各展品之間的聯系更是常設展覽中缺失的部分。

在關注多元群體需求與強調博物館教育職能的趨勢下，博物館亟需思考如何突破這一傳統(tǒng)展示方式所帶來的局限。可以說，這也是我國大多數歷史文化類博物館所共同面臨的挑戰(zhàn)。

上海博物館于2016年11月推出了親子教育平臺，目前已針對4至14歲兒童及少兒群體陸續(xù)開展了一系列與博物館常設展覽、特別展覽相關的博物館課程。以下，僅以筆者設計并教授的基于常設展館“少數民族工藝館”(以下簡稱“少數民族館”)的課程“穿在身上的密碼”與“穿悅之旅”為例，針對上文提及的美育中“社會美”這一維度，簡要介紹教學中的相關嘗試及難點。

教學案例：“穿在身上的密碼”與“穿悅之旅”

“穿在身上的密碼”與“穿悅之旅”分別是針對6至9歲及10至14歲年齡段學員開設的博物館課程。每次課程總長為2小時，由教室的概述、展廳內的導覽及課單練習三個部分組成。每次課程的學員共15名左右。

課程的核心內容是基于館藏的少數民族服飾(圖2)，讓學員們在互動式教學中了解不同少數民族文化與服飾相關的方面，主要涉及創(chuàng)世神話、傳說故事、社會風俗及審美選擇等。課單練習包含與服飾相關的細節(jié)(比如臨摹紋飾、將頭飾與民族進行配對)及在展廳導覽結束后鼓勵學員自己進行設計與創(chuàng)作的環(huán)節(jié)(根據展廳中所獲得的靈感，自己設計一款組合紋飾或服飾)。

這兩門課程的內容總體一致，具體形式及細節(jié)則根據不同年齡的認知程度有所調整。以下將主要突出在教學中與本文主題相關的教學設計。

圖2 上海博物館少數民族工藝館展廳(局部)(圖片版權歸上海博物館所有)

教學設計1:“衣櫥”的比喻

少數民族展廳內的展品是上海博物館中最接近“人類學”意義的。展廳中大部分的展品都是20世紀的收藏，從時間軸層面來說不涉及古代。而展廳名字本身也暗含了漢族與少數民族的二分法。展品中的服飾主要是通過玻璃柜中的衣架或是模特來呈現，有些是單個陳列柜展出一件服飾，有些是多件服飾陳列在(可能還會外加其他包類、鞋類、飾品)在同一個玻璃展柜中。

筆者的教學設計中主要包含了以下假設，即目前的陳列方式將民族服飾抽離出原本的生活場景，較易引起獵奇式的審美，觀者很可能將展廳所展出的服飾作為某一民族的“代表性”形象或是符號來理解。針對這一假設，課堂教學中希望學員能夠在欣賞服飾形象美的同時，對于博物館展覽文化有基礎性的了解，而這一理念很難通過直接表述傳達給年齡較低的學員。為此，課堂中做了如下嘗試：比如在“穿在身上的密碼”教室授課環(huán)節(jié)中，向學員們展示身著禮服式童裝的兒童照片，并詢問學員在什么樣的場合會選擇這樣的服飾。常見的回答有“參加婚禮”“拍藝術照”“走秀”等，緊接著詢問學員們平時上學或是參加運動時是否會穿著這樣的服飾，他們都會比較迅速、堅定地給出否定的答案，并在引導下給出各種理由，比如“容易弄臟”“上學不方便”“上學要穿校服”等。通過這一方式，結合學員們比較熟悉的生活場景，引出了根據不同場合選擇不同服飾的社會現象。教室里的熱身給展館中的導覽做了鋪墊，比如在介紹滿族的蟒袍這一件館藏服飾時，筆者在介紹了主要的紋飾后引導學員思考當時的官員會在怎樣的場合身著這樣一件裝飾華麗的服飾。同時，通過其他圖片，比較了作為“禮服”的蟒袍與上朝時穿在最外層的補服。

課程總結部分中，再次提醒學員們在展館中所見到的服飾只是各民族人們“衣櫥”中的“其中一件”，正如我們會根據場合、季節(jié)、心情等各種因素來選擇每天的服飾一樣。同時，各民族的年輕人如今也多以現代服飾為主，民族服飾更可能是傳統(tǒng)節(jié)日中人們選擇的裝束。雖然博物館的陳列較為固定，但我們每個人的衣櫥并不是一成不變的。

教學設計2:從驚嘆到安靜的沉思

由于展廳的陳列將服飾作為單一的展品抽離出來，并未提供更多的背景信息，觀者與展品的互動一般也只停留在最直接的“觀看”層面。課堂中學員確實經常會在展柜前驚嘆“哇，好好看”“呀，好丑呀”“啊，好奇怪啊”，以此來描述他們對于肉眼所見的最直接的感受。博物館課程目標之一便是啟發(fā)學員思考不同文化中人們對“美”的不同角度的把握，從而體會漢民族之外中國土地上生活的各民族人民服飾的多樣性和其中所體現的對“美”的不同層次的理解與多元的創(chuàng)造方式。通過課堂中對服飾元素背后的歷史故事與文化習俗的介紹，學員能逐漸了解服飾的“社會性”與“文化性”，而不僅僅從他們自己固有的審美選擇出發(fā)來進行簡單的評價。

比如，在展廳中有一件單獨展示的“蒙古族銀嵌珊瑚珠頭面”(圖3)。課堂中，筆者讓學員觀察頭面上的三種主要材料(紅珊瑚、綠松石與銀飾)，對蒙古姑娘所喜愛的顏色組合有基本了解。同時，詢問學員如果戴上這樣一件頭飾會是什么感覺。學員們會立即反應——“感覺會非常重，很不舒服”。通過這一展品再引出生活中大家熟悉的人們對昂貴奢侈品的向往及其他各種為了展現“財富”的穿戴選擇。

圖3 蒙古族銀嵌珊瑚珠頭面(局部)(圖片版權歸上海博物館所有)

服飾與財富、社會地位的聯系皆可如此通過課堂的背景補充來實現，而與服飾相關的還有針對“人體美”的多元社會審美角度，這一話題難免會涉及倫理選擇，在博物館單次課程的時間內較難梳理清楚。在目前的課程設計中，主要以展廳中的一套彝族男子服飾為引子，希望激發(fā)學員對這一問題的思考。展柜中身著彝族服飾的模特頭部包裹有深藍色的頭巾，“遮蔽”了頭巾中的長發(fā)。課堂中通過圖片展示了彝族男子蓄發(fā)的習俗，學員無不表示詫異，大都會生出疑問“為何男子要留這么長的頭發(fā)”。緊接著，便從彝族男性對于頭發(fā)的神圣地位出發(fā)，引出多個例子介紹不同文化中因為時代性的社會審美對身體各部位的“特殊”要求，并特別強調了女性為之付出的代價。比如中國封建社會時期幾百年來對女子“纏足”(裹小腳)的要求，以及在歐洲持續(xù)了幾百年的女子“束腰”傳統(tǒng)。最后會再次回到當下，讓學員們思考當今社會中與之相似的整容、長期穿著高跟鞋等同樣會“扭曲”“束縛”“改變”身體某部位的文化需求。這時候，學員們往往會陷入沉思，有些女孩也會表示自己長大后絕不穿高跟鞋的想法。

課堂中引入“身體美學”這一環(huán)節(jié)有多層面的考量，一是希望打開學員的審美維度，了解不同時間、空間中對“美”的不同理解，并結合當下生活中的案例，讓學員“不以之為怪”；二是暗示了女性因回應社會對“身體美”的標準所付出的代價，希望學員開始接觸并思考與“裝扮”相關的性別問題。

總的來說，基于少數民族館的館藏，課堂教學設計在結合服飾背后的歷史背景與社會文化信息等內容的同時，特別融入美育中“社會美”的層面，讓學員欣賞服飾本身元素的同時，思考審美的多元化。課程中涉及兩個層面的倫理問題：一是博物館陳列將服飾從其社會文化語境中抽離出來，可能引起觀者從單一的審美維度來欣賞展品，在課堂中通過“衣櫥”的比喻，希望學員們明白展品只是少數民族服飾文化的其中一個側面；二是與服飾直接相關的“身體美學”的倫理問題，面對年齡較小的學員，在課堂上采用的是從展廳展品向外引申的方法，介紹多個時間、空間維度中的“多元”審美標準，一方面讓學員明白“美”本身也是隨著時空而變化的，并沒有統(tǒng)一標準，另一方面也希望讓學員體會“美”并不單純指“好看/不好看”，而與整個時代及特定文化的集體審美選擇與標準密不可分。

三、博物館美育：突破展覽的局限與邊界

在Karp和Davine編撰的著作《展覽文化：博物館展示的詩學與政治》中，整合了多個案例在較為廣泛的程度上探討策劃博物館展覽的挑戰(zhàn)，即“在展覽中提供給觀眾可以重組他們知識的環(huán)境與資源”[9]。書中的篇目從不同角度出發(fā)論述了具體的環(huán)境與資源的設置。其中，Greenblatt總結了展覽能為觀者提供的兩種心理維度：一為驚奇感，既“展陳的物品有一種能讓觀者留步的力量，通過其獨特感激發(fā)觀者的注意力”；一為共鳴感，既“拓寬觀者認知中原有的邊界，并喚起更為復雜的動態(tài)的文化動力”。展覽因而能促進人們“對他者智慧的尊敬與贊賞”[10]42。Greenblatt認為需要融合“驚奇感”與“共鳴感”這兩個維度，可以“繼續(xù)嘗試突破現有展陳模式的限制，跨越界限并創(chuàng)造更強的融合性”[10]54。Greenblatt的觀點總體來說是理論層面的總結與暢想，在具體實踐層面，我們則需要進一步思考他的建議中所隱含的問題：如何突破現有展陳模式的限制？如何跨越界限并創(chuàng)造更強的融合性？

筆者以為，目前我國的歷史文化類博物館在展覽及空間更新上的探索依然在起步階段，而在較長的一段時間內，傳統(tǒng)的常設展覽依然會是各類觀眾群體接觸博物館展覽的主要渠道之一。面對這一現狀，教育層面的努力能在一定程度上“彌補”因各種條件限制而無法在較短周期內進行調整更新的常設展覽，從而在“突破現有展陳模式的限制，跨越界限并創(chuàng)造更強的融合性”方面進行嘗試。就本文所提及的上海博物館少數民族展廳來說，展廳中對民族服飾的展示本身很容易引起觀者的“驚奇感”，但從另一角度來說這也反映了當下社會教育中對民族服飾審美教育的缺失。目前的展廳展覽并未提供足夠的環(huán)境與資源讓觀眾能更全面地了解與服飾相關的多民族文化的智慧與審美選擇的文化背景。為此，博物館場景內的教學有責任嘗試跨越這些壁壘，打通“驚奇感”與“共鳴感”。本文中所列舉的教學實例中，主要突出了針對美育中“社會美”這一維度的嘗試。在具體的教學實踐中，補充了通過服飾得以傳承并保留的民族神話、社會風俗等，拓寬了原本只能在視覺層面上欣賞服飾的單一審美維度。同時，課堂中通過“衣櫥”的比喻讓學員明白展覽中所呈現的服飾只是各民族服飾文化中的其中一部分。課堂中也重點突出了審美選擇與創(chuàng)造的多元性以及與之相關的不同時空維度中的“身體美學”。

目前，從社會報名的積極性來看，兒童及青少年家庭對于常設展廳的這些作為課外學習的博物館課堂有極大的需求。同時，文中尚未提及的是這些校外課程中，家長最為關切的依然是“知識性”的歷史信息。因而，如何逐漸在知識性的基本訴求之外，提升社會對于博物館場景美育的重視，尤其是進一步將“社會美”的維度融入青少年美育中，依然是博物館教育的一大挑戰(zhàn)。從課程主題來說，除了拓寬審美經驗，結合服飾審美與身體美學的課堂也會對青少年成長中認知自我、了解多民族國家社會、包容多元審美等方面有所啟發(fā)。

因而，基于博物館展覽的美育應當突破單純從“審美”角度出發(fā)的方法，在教學中結合博物館展覽文化本身的倫理選擇，而對于博物館展覽來說，美育教學也為突破展覽本身局限與邊界提供了一種可能。